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A escola de Artes Visuais, ARTE ILIMITADA, abriu as suas portas à primeira, de um ciclo de quatro conferências, organizado pela crítica, editora e historiadora, Sandra Vieira Jürgens.

Nuno Crespo - curador, crítico e professor na FCSH-UNL -, foi o primeiro a transmitir a sua visão e lançar os dados sobre o papel da crítica de arte na sociedade contemporânea.

Numa conferência de carácter informal, iniciou-se no dia 12 o primeiro painel que integra o Pequeno atlas da arte contemporânea - arte, teoria e geografias num mundo em transformação, o mote deste ciclo, que procura reflectir sobre “pensar e agir globalmente no mundo da arte”, colocando em cima da mesa temas que giram em torno desta problemática.

Nuno Crespo levantou questões que constituíram, mais do que uma apresentação, as bases de uma posterior discussão entre os participantes, pondo em prática uma contradição relativa à realidade actual: a de ausência de discussões sobre arte na esfera pública.

O curador e crítico teceu algumas considerações sobre a ausência de crítica de arte, não somente exclusiva do campo das artes visuais, mas das artes em geral, iniciando o discurso com a projecção de um diagrama de Thomas Hirshhorn. Segundo Nuno Crespo a crítica de arte diferencia-se da história de arte, dos textos descritivos e da curadoria por ser um acto de “olhar e fazer sentido da obra de arte”, levando a reflexão e discussão ao público.

Contudo, assiste-se a uma diminuição deste espaço de discussão, do “pensar alto”, porque, apesar de se continuar a promover e realizar exposições, estas não são lugar de reflexão, mas de apresentação.

Através da evocação de cinco autores (Thomas Hirschhorn, Kant, Goethe, Wittgenstein e Walter Benjamin), Crespo foi “desmontando” o conceito de crítica de arte, ao longo dos tempos, aferindo a sua relação com a obra, bem como a sua importância. A crítica procura encontrar o objecto na sua “singularidade”, diferenciando-se, assim, da teoria e da ciência, na medida em que o seu território é especulativo, uma vez que levanta sempre, para além das questões factuais, questões de valor e, por isso, “nunca é um olhar livre, está sempre implicado”.

Este esforço de construção de uma perspectiva, onde assenta a crítica, implica pensamento e não mera contextualização nem descrição, procurando “cumprir o destino da obra de arte”. Assim, a crítica só é competente quando julga, porque compreende e a sua qualidade está na capacidade de problematização, como afirma Nuno Crespo. No limite, “a obra de arte que não motiva a sua própria crítica não se cumpre”.

Esta questão da necessidade da crítica inerente a uma obra de arte levou a uma reflexão mais alargada, colocando os espectadores num papel de actores.

Problematizou-se a falta de meios onde se possa pensar alto e o modelo educacional que não instiga o espírito crítico. Expressou-se o combate à ideia de que a arte tem em relação à crítica uma certa imunidade, resumindo-se, por vezes, os textos sobre o assunto, a descrições que revelam uma “não relação com a arte”. Enfatizou-se a ideia de que a crítica é necessária, o julgamento, a procura da singularidade, do que cada obra provoca aos indivíduos que com ela se relacionam.

Em último grau, o combate ao silêncio.

A exposição, comissariada por Inês Moreira e, enquanto projecto pedagógico, coordenada por Morgane Blant-Bonion, encontra-se em fase de montagem. Esta fase processual, já de si, constitui uma parte fundamental e essencial relativamente ao conceito do projecto, uma vez que o mesmo não se confina, somente, à parte expositiva e ao resultado, que o público poderá experienciar, mas diz respeito a todo o processo de concepção e construção.

Mais do que uma exposição de arquitectura, Insatiable Builders, assume-se como um laboratório de experiências e um incentivo à criatividade. Aos arquitectos convidados, e cujos projectos poderão ser vivenciados brevemente, foi lançado o desafio de conceberem peças arquitectónicas, materializando o desejo de construírem com as suas próprias mãos, “explorando o entusiasmo e a compulsão da construção de pequena escala”.

Esta “pequena escala”, seja efémera, sazonal ou nómada, encontra-se muito associada à imagem da cabana primitiva, representativa da arquitectura mais elementar, o arquétipo do habitar, simbolicamente um abrigo, lugar de defesa e descanso, muito próprio do imaginário infantil.

Estes espaços conjugam eficiência e funcionalidade, estabelecendo uma relação com o meio envolvente e uma oportunidade de construir um espaço pessoal. Contudo, nesta exposição a noção de isolamento é alterada e oferecida uma nova perspectiva de conjunto, através de novas produções arquitectónicas. Muitos arquitectos traduzem as suas práticas de experimentação em construções de pequena escala, sendo o objectivo impulsioná-los a criarem e a construírem esses objectos arquitectónicos à escala real, numa partilha de conhecimentos.

A par dos limites, os quais se traduzem na escassez de recursos disponíveis, os arquitectos usam a sua criatividade para uma produção espacial assente na total liberdade da manipulação de diversos materiais, na reutilização e reinvenção de objectos comuns, muitos deles não utilizados habitualmente na construção, conjugado com um design inovador e projectando soluções eficientes e funcionais. “As vidas e segundas vidas dos materiais interessam-nos como ponto de partida e de chegada entre projectos”, afirma a curadora responsável pela exposição.

Assim, para além de serem obras criadas para o contexto específico do museu, estas transpõem as suas paredes procurando responder, num contexto mais abrangente, a problemáticas actuais que se focam em questões ecológicas, sociais e antropológicas.

A mostra conta com a vontade insaciável dos portugueses Terrapalha/Catarina Pinto – Sheperd Shelter e The Womb Shelter -, André Castro Vasconcelos – Constructing with Clothes -, José Pedro Sousa & DFL – Constructive Geometry Dome -, petit CABANON e os holandeses The Cloud Collective – Hermit House -, as francesas Véronique e Françoise Maire – The Storage Hut -, e Exyzt (França) & Associação Ensaios e Diálogos (Portugal).

Os arquitectos convidados possuem já, uma prática profissional ligada à experimentação de construções arquitectónicas, que conjugam diversos tipos de materiais, dos mais comuns aos mais invulgares, resultando em novas soluções espaciais e construtivas. Procuram responder a problemas, produzindo muito com pouco, e é essa busca de novas soluções que será apresentada na Maison de la Vache qui Rit.

Os autores recorrem a materiais correntes, e reciclam-nos para as diferentes concepções espaciais: Terrapalha explora materiais autóctones, como madeiras, e a mudança das estações; André Castro Vasconcelos utiliza materiais pouco convencionais, como camisas em segunda mão; The Cloud Collective recorre a madeiras correntes e aglomerados de baixo custo; e Véronique e Françoise Maire a garrafas de vidro, por exemplo. Não há limites quando o mote é criatividade e vontade de “pôr mãos à obra”.

Num período em que as exposições sobre arquitectura têm vindo a ganhar força e a assumir um lugar nos espaços expositivos, com as dificuldades inerentes, próprias de exibir uma arte e técnica que engloba quatro dimensões, Insatiable Builders acaba por ser inédita na escala, diversidade e relação que cria com um público não especializado, num contexto museológico. Segundo Inês Moreira, “mais do que vincular o projecto, e os autores, propomos uma experiência imersiva em que os visitantes tenham uma mediação pedagógica, enquanto na perspectiva dos autores lhes damos total liberdade na compulsão construtiva.”

Este projecto surgiu na sequência das colaborações que Inês Moreira, aqui como curadora, mantém com o Lab’bel – do Group Bel -, um laboratório artístico, itinerante e criativo, fundado em 2010 com o objectivo de dar a conhecer a arte contemporânea, tornando-a acessível e disponível a todo o público. Nesta colaboração regular, a arquitecta concebeu várias cenografias e conceitos espaciais, que estiveram patentes em Barcelona, Angers, Guimarães, bem como na sala de exposições temporárias que o museu Maison de la Vache qui Rit possui e onde se poderá visitar, ainda este mês, Insatiable Builders.

A semana inaugural da ExperimentaDesign ’13 – que na sua edição deste ano, sob o tema No Borders conta com 67 eventos e participantes de 24 países -, arrancou no passado dia 7, com a abertura da exposição Metamorphosis, em parceria com o grupo Amorim.

O claustro do Mosteiro dos Jerónimos, em Belém, foi o local escolhido como palco de diversas criações, tendo como material base a cortiça. Aos arquitectos e designers coube o desafio de reinventarem este material tão português e que pode ser admirado num edifício alusivo aos descobrimentos portugueses, que agora descobre as potencialidades da cortiça.

Nomes de peso do panorama nacional e internacional, como os arquitectos portugueses Siza Vieira e Eduardo Souto de Moura, a dupla de arquitectos suíços Herzog & de Meuron e o designer britânico Jasper Morrison, entre outros, desenvolveram novas técnicas na manipulação desta matéria-prima, através de novas concepções e novos usos.

A experimentação, inovação, versatilidade e transformação são as palavras que ecoam no claustro dos Jerónimos. Desde os sapatos feitos em cortiça de Jasper Morrison, aos seus painéis com relevo que criam efeito de luz e sombra, passando pelos bancos que apelam ao tacto do designer industrial Naoto Fukasawa e os de Siza Vieira, até aos puxadores e corrimãos de Souto de Moura, tudo é válido quanto se junta cortiça e criatividade.

O arquitecto João Luís Carrilho da Graça utiliza o material como uma nova técnica de construção, conjugando granulado de cortiça com cimento. O resultado é um betão muitíssimo mais leve – até 8 vezes -, que pode ser visto na forma de um protótipo da fachada Oeste do futuro Terminal de Cruzeiros de Lisboa.

Para além das evidentes propriedades acústicas e térmicas que serviram de base à criação, por exemplo, das prateleiras do designer James Irvine, sob o signo de Stow It, as quais procuram resolver os problemas acústicos das salas de reunião, caracterizadas pela pouca presença de mobiliário, procura-se também o seu papel expressivo. Esta “componente sensorial e estética” é materializada pelo arquitecto Manuel Aires Mateus no seu arquétipo da capela ou da casa, em que a luz que surge de baixo, realça a textura inerente à cortiça em bruto, criando um ambiente próprio.

Amanda Levete, por seu lado, concebe o Cork Kit, um “sistema de montagem modelar autoportante” que, através da cozedura, evidencia as diferentes tonalidades do material, com um resultado bastante expressivo. Já os Soft Monoliths, que se traduzem, essencialmente, numa estrutura feita integralmente do material homenageado, do arquitecto Alejandro Aravena, procuram “um retorno ao entorno naturalmente” quando deixam de ser usados.

Com aplicação concreta num edifício, surge uma maquete do auditório da Ópera de Hamburgo de Herzog & de Meuron, revestida a cortiça.

O resultado da investigação e experimentação destes designers e arquitectos está presente num percurso feito igualmente de cortiça, que dirige os visitantes e serve como pano de fundo aos projectos, os quais se vão materializando ao longo deste trilho.

Para além do material em destaque, os espelhos que pontuam o percurso criam um ambiente de integração das obras com o próprio edifício, revelando a combinação destas com o reflexo das abóbadas do claustro, um efeito curioso e interessante, acrescentando valor à exposição.

Metamorphosis junta a criatividade de diversos artistas e mostra como um material centenário pode, também, ser um material do século XXI.

As Far As The Mind Can See é o tema em torno do qual se move a 8ª edição da bienal ExperimentaDesign. Em 2015 esta plataforma de reflexão cultural, pesquisa e divulgação, marca também presença no Norte do país, promovendo uma descentralização da capital, e procurando novos polos de dinamização.

Porto e Matosinhos, abrem assim portas a exposições, que têm como palco o Palácio dos Correios e a Câmara Municipal de Matosinhos. Em Lisboa, volta a ser a zona de Belém, com o picadeiro do Museu Nacional dos Coches e a Cordoaria Nacional, mas também o Príncipe Real e o Teatro São Carlos, a receber a Experimenta que vai, ao mesmo tempo, “descobrindo espaços pela cidade”, segundo Catarina Vaz Pinto, vereadora da cultura da Câmara Municipal de Lisboa.

Para além do território nacional, a EXD alarga o seu trabalho aos países africanos de língua oficial portuguesa, traduzido na exposição From Hands to Mind, que revela um projecto de pesquisa na procura do que é o design em África.

O tema As Far As The Mind Can See, teve a sua exposição homónima, a inaugurar em Lisboa, no passado dia 13 de Novembro, 16 anos depois do arranque da primeira EXD em 1999. Já nesta primeira edição, se citava Buckminster Fuller “If you can’t predict the future, design it” e é sobre esta capacidade de descobrir e criar algo novo, conseguir ver o que ainda não está formalizado e depois materializa-lo, através de uma ferramenta indispensável, a mente, que se debruça a produção apresentada nesta exposição que decorre no picadeiro do Museu Nacional dos Coches.

O que se pode ver até ao dia 20 de Dezembro, são produções de 28 designers, oriundos de vários pontos do mundo, consequência da reflexão sobre este tema de “ver até onde a mente nos permite” e a expressão da individualidade criativa. Os designers foram escolhidos por três curadores: Mirko Ilic, João Castro e Marco Balasteres,. Segundo Guta Moura Guedes, presidente da EXD, “a exposição é o resultado da sua própria perspectiva como curadores do tema da ExperimentaDesign, mas acima de tudo o trabalho de 28 designers sobre o tema”.

Neste sentido, é apresentada uma exposição sobre contexto, problemas e ideias, onde o designer tem o papel de olhar para si, e perceber como comunica a mensagem ao público. O objectivo é sintetizado por João Castro: “quero que percebam a relação entre curador, designer e público que, tanto tem a ver com a mensagem como tem a ver com criar o contexto perfeito para a mensagem”.

O resultado são 28 perspectivas muito diversas, sob suportes também eles variados, desde a instalação à tapeçaria, que espelham a reflexão individual, as questões evocadas e a “resposta” ao tema proposto.

João Castro foca a subjectividade da interpretação, relacionada com a forma “aberta” e não “direccionada” como se passa a mensagem, e o trabalho mental da parte do designer na criação de algo novo, que é sempre fruto de ideias e produções anteriores. Mirko, por seu lado, menciona o impacto da mensagem, escolhendo sobretudo peças que contêm ao mesmo tempo algo de estranho e belo em si, mas que provocam reacção no observador.

Tratando-se de uma reflexão, também, sobre contextos, a EXD, no panorama das cidades que a acolhem, coloca o design como um dinamizador dessas mesmas cidades. As suas exposições dão a conhecer o design, mas também os edifícios que servem de suporte às exposições, sendo nas três cidades muito diferentes entre si. Aqui, design e arquitectura fundem-se numa divulgação conjunta, este ano naquilo que é a “relação entre a mente, o indivíduo e a criatividade”.